Le 20ème siècle apparaît un peu comme un nouveau monde avec de nouvelles lois et des statuts clairement définis. De nombreuses grandes inventions ont vu le jour et nous ont rendu la vie beaucoup plus facile. Il est cependant courant d’entendre que l’univers musical classique a cessé d’être créatif et que nous sommes contentés d’apprécier les œuvres les plus anciennes.
Cette liste vise à réfuter cette idée reçue et à partager quelque unes des nombreuses œuvres composées après 1900 et restées relativement inconnues.
Varèse était un compositeur français de musique électronique qui a exploité les nouveaux timbres créés par la vulgarisation de l’électricité. Avec des nouveaux outils, il a élaboré de nouveaux timbres, rythmes et dynamiques, créant un son un peu barbare et souvent percutant.
Aucune composition ne peut autant refléter le style de Varèse que « ionisation », qu’il a composée pour 13 percussionnistes. Parmi les instruments, il y a des tambours classiques d’orchestre, des basses, une caisse claire, et aussi des instruments uniques comme un tambour à corde pour simuler le rugissement du lion. Tout est musique pour Varèse et il résulte de son œuvre un monde sonore extraordinaire, plein de possibilités et avec des combinaisons instrumentales sans précédent.
Stockhausen compose de façon similaire à Varèse. Cependant, il a également flirté avec la musique aléatoire (voir LUTOS Awski) et le sérialisme (voir Berg).
Zyklus est également une pièce pour percussion dans laquelle Stockhausen utilise la forme ouverte, il n’y a ni début ni de fin déterminé. Le morceau peut être lu entièrement ou bien à partir de n’importe quelle page et dans n’importe quel sens y compris à l’envers. Les notations rythmiques et dynamiques ignorent le système traditionnel au profit d’un graphique proportionnel. Zyklus apporte un changement radical dans les méthodes de composition que Stockhausen poursuivra durant son existence.
George Gershwin est le compositeur américain par excellence. Il utilise fréquemment les échelles de Jazz et Blues dans sa musique à la place de l’échelle diatonique utilisée par la plupart des compositeurs de tradition classique occidentale.
Son « Rhapsody in Blue », un concerto pour piano interprété par un groupe de jazz, est son œuvre majeure et restera toujours dans nos mémoires. Elle fait référence aux années 1920, où l’argent était abondant et la vie était belle. Cette pièce est nostalgique.
Il s’agit sans doute du compositeur le plus récent de cette liste et il continue à composer abondamment. Son style a été décrit comme minimaliste, reflétant l’ostinato qui évolue lentement dans sa musique. Sa musique reflète aussi un fort ancrage en contrepoint dans le style de Mozart et de Bach.
Son opéra « Einstein on the Beach » dure 5 heures sans entracte, le public est libre d’entrer et de sortir à sa guise. Mis en scène par Robert Wilson, cet opéra est particulier dans le sens où il n’a ni intrigue ni histoire. Au lieu de cela, il montre différentes scènes qui font référence à des théories et à la vie d’Einstein. Lorsqu’il fut créé, cet opéra à révolutionné l’approche jusqu’alors entreprises dans les créations de ce type.
Penderecki est un compositeur qui se concentre sur les techniques instrumentales et des styles de jeu uniques sur instruments classiques. Il est peut-être mieux connu pour son œuvre Threnody écrite en mémoire des victimes d’Hiroshima.
En choisissant une messe de Requiem, Penderecki fusionne l’une des plus anciennes formes de musique (le premier Requiem fut écrit par Ockeghem pendant la Renaissance) avec des techniques de jeu prolongées. Il utilise des sons brefs de chœurs à la place d’une structure traditionnelle. L’ajout d’un texte en langue polonaise à la fin en fait une composition unique dans son genre.
Fin du 19ème siècle, Arnold Schönberg a conçu une nouvelle technique de composition, mettant de côté des siècles d’harmonie : la musique sérielle. Le sérialisme s’appuie sur une série d’éléments musicaux pour composer des œuvres atonales. Il créa la Seconde École de Vienne, où étudièrent de fameux compositeurs comme Anton Webern. Alban Berg est cependant le compositeur qui a su amener le sérialisme à la culture populaire.
Wozzeck est un opéra basé sur une histoire étonnamment peu héroïque. Pourtant, il constitue une avancée majeure dans l’histoire musicale et c’est le premier grand opéra du genre de cette époque car il intègre les idées d’avant-gardes. L’opéra est devenu si populaire qu’il a permis Berg de vivre toute sa vie grâce aux droits d’auteur/compositeur.
Copland compose dans un style distinct de son compatriote américain George Gershwin. Alors que le style de Gershwin s’adresse plus aux grandes villes et aux clubs, Copland attire d’avantage un public rural et s’inspire du Folklore américain. Cette œuvre facile d’accès et construite autour d’une mélodie simple s’appuyant sur une construction interne bien pensée, parvenant à casser le rythme et à déséquilibrer la mélodie.
Copland fut sollicité lors de l’entrée en guerre des états unis pour écrire une fanfare patriotique qui sera diffusée à une grande échelle à la radio. Il dédiera cette œuvre au commun des mortels après la victoire de l’Amérique lors de la Seconde Guerre mondiale.
Cage était un révolutionnaire – il a lancé l’utilisation d’instruments non conventionnels tels que les clés et les papiers. Une de ses innovations les plus marquantes est le piano préparé, où il met en rondelles et les ongles dans le piano, provoquant un son sec et percutant.
4’33 » est essentiellement ce qu’il est, c’est-à-dire 4 minutes et 33 secondes de musique. La musique que l’on entend, cependant, n’est pas jouée par des interprètes. Au lieu de cela, l’artiste monte sur scène et durant les 4 minutes et 33 secondes l’auditeur entend les sons accidentels dans la salle de concert, qu’il s’agisse du bruit de la climatisation ou les voitures à l’extérieur. 4’33 » est pensée pour être l’œuvre la plus silencieuse, comme en témoignent les enseignements zen qui ont inspiré Cage.
LUTOS Awski était l’un des plus grands compositeurs polonais, debout aux côtés de Chopin et Penderecki. LUTOS Awski était le premier artiste à se voir décerner le plus grand honneur de la Pologne, l’Ordre de l’Aigle Blanc, après l’indépendance du régime soviétique. Il se spécialise dans la musique aléatoire où chaque performance est unique.
Le Concerto pour orchestre est inspiré de son propre Concerto pour orchestre Béla Bartók. Il imite la forme baroque Concerto Grosso, entrelaçant des airs polonais. La partie la plus frappante de ce travail est sa nature atonale: elle ne se conforme pas aux touches majeures ou mineures. Il intègre ce nouveau style avec les anciennes formes de Passacaglia and Toccata, entre autres et, ce faisant, crée un univers sonore unique.
Stravinsky est l’un des compositeurs les plus influents du 20ème siècle, il était parfois surnommé le «Bach sur mauvaises notes». Il fait partie des 100 artistes les plus influence du 20ème siècle. Il dessine styles musicaux et influences un large éventail de compositeurs. Stravinsky compose des œuvres de musique sérielle, néo-classiques et néo-baroques. La nature et le timbre des instruments sont aussi très intéressants, il suffit d’écouter son ballet « Les Noces » accompagné de quatre pianos.
Le Sacre du printemps ne comprend pas d’intrigue. « C’est une série de cérémonies de l’ancienne Russie », précise le compositeur. Camille Saint-Saëns a claqué la porte dès les premières notes, estimant que le registre aigu du basson était une utilisation inappropriée de l’instrument. Tout au long de la performance, les auditoires ont hué les artistes, et critiqué le rythme primitif de la musique. Malgré cela, la pièce finit par gagner en popularité au point de devenir l’une des œuvres les plus influentes du 20ème siècle.